CINE MUDO Y SONORO

DEL CINE MUDO AL SONORO



En la actualidad los jóvenes se preguntan ¿Qué era el cine mudo? Pues la respuesta es que el cine mudo es aquel que no posee sonido grabado y sincronizado, se utiliza únicamente las imágenes de los personajes y aparecen pequeños letreros donde se describían las emociones o diálogos de los personajes.
Desde El nacimiento de una nación de D.W. Griffith hasta El cantante de jazz, la primera película hablada, constituyen un periodo sumamente fructífero y decisivo para la historia del cine.
La era del cine mudo seria conocida como "La Edad de la Pantalla de Plata" En los Estados Unidos, surgen los westerns de Thomas Harper Ince, el cine cómico de Mack Sennett con sus tartas voladoras, las grandes epopeyas de Cecil B. de Mille, las inolvidables figuras de Harold Lloyd y Charlot, y uno de los maestros de la cinematografía mundial, D.W Griffith, las películas que dirigió entre 1908 y 1913 como El nacimiento de una nación, en 1915, logró un éxito excepcional, dando al espectáculo cinematográfico sabor auténtico y original. Otro de sus grandes filmes fue Intolerancia, 1916, Las dos huérfanas es una película escrita, producida y dirigida por Griffith en 1921. Es una adaptación de la novela de Adolphe D'Ennery The two orphans este film es considerado por muchos como el mayor éxito de Griffith (después de El nacimiento de una nación e Intolerancia).Mas que nada esta cinta refleja un conflicto de clases, otra obra es Sally, la hija del circo es una película de 1925. Y también es la adapta una obra de teatro de Dorothy Donnelly. D.W fue una influencia para futuros directores. Las cintas de Griffith con secuencias, acciones paralelas, variedad de planos, utilización de la luz con efectos dramáticos crearon un nuevo lenguaje, que supone el comienzo de una nueva etapa, el cine como espectáculo.
Simultáneamente el cine se convierte en una de los medios de expresión artística más utilizados por la vanguardia europea. En Alemania, la escuela expresionista crea una cinematografía totalmente alejada del realismo del cine americano, con obras de temática fantástica y un lenguaje visual muy particular marcado por una escenografía extraña llena de ángulos, planos, paredes incluidas e insólitas arquitecturas, una gestualidad y maquillaje exagerados y violentos contrastes de iluminación, El Gabinete del doctor Caligari de Rober Wiene (1919), y la obra alemana de 2 grandes directores F. W. Murnau, con Nosferatu, el vampiro (1922), y Fritz Lang, con Los Nibelungos (1923-1924) y Metrópolis (1926).
Tras el triunfo de la Revolución Rusa, la vanguardia artística rusa utiliza nuevas vías de expresión, la mayoría aportaciones del cine soviético se da en el campo del montaje, con la creación de nuevos espacios, tiempos, relaciones y significados a través de planos audaces, y dos grandes nombres, Vsevolod Idarionovich Pudovkin y Sergei Mijailovich Eisenstein, autor de una de películas míticas, El acorazado Potemkin (1925), en la que destaca especialmente la secuencia de la escalera del puerto de Odessa, rodada con 170 planos y una magistral utilización del primer plano y del montaje.
La idea de combinar imágenes en movimiento con sonido grabado fue la idea para que empezara el cine sonoro cuando este demostró su rentabilidad, las películas mudas, a pesar de su arte, quedaron a un lado y la gente prefirió que pasaran a la historia pues el nuevo cine que ofrecía mas era la gran novedad. El cine mudo había durado 35 años y era momento de revolucionar la industria.
Desde 1926 con el estrenó en Nueva York de Don Juan, que contó con efectos sonoros y una partitura musical sincronizada el cine sonoro anunciaba ya su aparición para posteriormente surgieran varios cortos que fueron perfeccionando este nuevo cine. Hacia 1930 el sonoro era un hecho, y el cine mudo había sido definitivamente vencido
Con el estreno de El Cantante del Jazz (The Jazz Singer) de Alan Crossland el 6 de octubre de 1927 se inicia la era del sonoro en el cine. Esta película cantada deja al público boquiabierto y provoca una revolución de los modos expresivos cinematográficos: La película fue inicialmente una obra musical teatral del autor estadounidense Samson Raphaelson, la obra El Cantante del Jazz había sido un éxito en Broadway en su versión original de 1925. Desde el momento en que el sonido llego en el mundo de los actores se produjo el pánico, ya que temieron, que sus voces no fueran adecuadas a los cambios, y todos fueron obligados a «pruebas de voz» la mayoría de los actores superaban las pruebas primarias pero debían aprender a hablar correctamente las figuras del cine mudo habrían que evolucionar y muchos de ellos quedaron en el camino.

Griffith, Keaton, Von Stroheim y Chaplin, entre otros, firman escritos denunciado el nuevo sistema sin embargo, comprenden que no pueden oponerse al progreso: Charles Chaplin y Sergei Eisenstein realizan películas sonoras, mientras Buster Keaton y Von Stroheim se pasan a la interpretación. Es decir su voz no convencia por completo a los directores a los actores no les quedaba más que pasar a papeles mas simples y no ser estelares o interpretar obras teatrales donde no requerían de la voz.
Dar sonido al cine no fue fácil se utilizaron una gran variedad de técnicas que se dieron a través de varias diferentes etapas. Se comenzó por hablar o producir ruidos detrás de la pantalla, apoyándose por el acompañamiento musical en vivo durante las proyecciones y la utilización de un locutor que añadía comentarios a los rótulos. Más tarde, la técnica vitapohone sustituyó en las salas de cine a las orquestas por altavoces y se limitó a la música y los ruidos. El procedimiento photophone, de Alexandre Grahan Bell consiguió transmitir la voz utilizándose la luz. La voz se proyectaba a través de un tubo para un espejo fino, que vibraba y actuaba como un transmisor, y se dirigía hacia otro espejo que hacía el proceso inverso actuando como receptor. Los sonidos registrados en disco de huellas sonoras fotográficas, permitieron inscribir sonidos e imágenes en una misma cinta, tanto para la producción como para el registro. El resultado final fue la incorporación a la cinta de una pista sonora que reprodujo música, efectos ambientales y diálogos de los actores.
A esta primera gran revolución seguirán la aparición del color, el cinemascope y la independización del micrófono de la cámara tomavistas que se sientan las bases del cine de nuestro tiempo, Hollywood se convierten en la fábrica de sueños y estrellas.



POR: ARLEMXIIU S. V.